Ron Howards 7 Tipps für angehende Filmemacher

Regisseur Ron Howard gibt wichtige Tipps zum Filmemachen aus seiner herausragenden Karriere in Hollywood.

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Ron Howard unterrichtet in seinen exklusiven Videolektionen Regie, Schnitt und Storytelling.

Ron Howard ist eine Legende auf beiden Seiten der Kamera. Als Kind war seine Darstellung von Opie in Die Andy Griffith-Show und Richie Cunningham in Glückliche Tage brachte ihn in jedes Wohnzimmer in Amerika.

Nachdem er die Schauspielerei verlassen hatte, um Regie zu führen, entwickelte Howard einen umfangreichen Lebenslauf, der Folgendes beinhaltet: Kokon , Spritzen , Elternschaft , Apollo 13 , Ein schöner Geist , Frost/Nixon , Solo: Eine Star Wars-Geschichte , und die beliebte TV-Serie Festgenommene Entwicklung .

Im Folgenden gibt er einige wichtige Tipps und Einblicke für angehende Filmemacher.

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Ron Howards 7 Tipps für angehende Filmemacher

Als einer der renommiertesten Regisseure, die heute im Kino arbeiten, hat Ron Howard Erkenntnisse entwickelt, die jedem Filmemacher helfen können – vom preisgekrönten Autoren bis zum Neuling, der auf einem Smartphone filmt.

1. Folge deinem Herzen vor deinem Kopf . Suchen Sie nach einer Geschichte, die Inspiration für Sie auslöst. Sie sollten eher eine emotionale als eine intellektuelle Verbindung spüren und es unwiderstehlich finden, die Geschichte zu visualisieren – sogar von der Geschichte zu träumen. Stellen Sie sicher, dass die Geschichte das Potenzial hat, dem Publikum etwas Neues und Interessantes zu bieten und ihre Zeit und ihr Geld wert ist. Bewerten Sie Ihre Idee für Frische; Suchen Sie dann nach einer Reihe von kraftvollen Momenten in der Geschichte. Identifizieren, verstehen und bauen Sie diese Szenen auf. Wenn Sie es verdient haben, werden die Zuschauer die Auswirkungen spüren und dieses Gefühl diskutieren und erneut aufgreifen möchten.
2. Suchen Sie nach einer Reihe von Stimmen, um ein Skript aufzuschlüsseln . Sie müssen ein Skript einer extremen Prüfung aussetzen. Ein einfaches und nützliches Werkzeug ist eine Lektüre mit Schauspielern in Anwesenheit des Drehbuchautors, gefolgt von einer Feedback-Sitzung. Howard vertraut beim Durchlesen auf den Prozess der Schauspieler und erkennt den X-Faktor an, den Sie aus diesem ersten Blick darauf gewinnen können, wie ein Schauspieler den Charakter natürlich interpretiert.
3. Nutzen Sie die Zusammenarbeit mit Drehbuchautoren . Bei den meisten Filmen haben sowohl der Drehbuchautor als auch der Regisseur starke Vorstellungen davon, wie die endgültige Version eines Films aussehen wird. In den meisten Fällen liegt dies letztendlich in der Zuständigkeit des Regisseurs, aber das bedeutet nicht, dass der Regisseur ein Tyrann sein sollte. Wenn es an der Zeit ist, ein Drehbuch neu zu schreiben, passt Howard seinen Arbeitsstil an den des Autors an. Manchmal sieht der Prozess so aus, als würde er Seite an Seite arbeiten; manchmal ist es eine Reihe von Gesprächen und dann kann der Autor alleine schreiben. Das Erlernen des Arbeitsstils eines Mitarbeiters hilft Howard, eine Umgebung zu schaffen, in der jede Person ihr Handwerk auszeichnet und letztendlich ihr Bestes für das Projekt gibt. Er wird sich bei Neufassungen oft dem Autor unterordnen, weil er darauf vertraut, dass Autoren so lange in den Ideen und Themen eines Drehbuchs gelebt haben, dass sie es auf einer kreativen Ebene verstehen, die über das Intellektuelle hinausgeht.
4. Das Publikum sucht eine Mischung aus Neuem und Vertrautem . Howard glaubt, dass fast alle Geschichten aus etwas Altem und etwas Neuem bestehen. Sein Ziel als Regisseur ist es immer, jede Geschichte frisch und relevant zu halten, auch wenn Themen, Charaktere, Handlung oder Genre bekannt sind. In Splash war das Genre vertraut – es ist im Wesentlichen eine romantische Komödie aus den 1930er Jahren –, aber das Fantasy-Element des Mädchens als Meerjungfrau war neu und fügte Comedy und überraschende Visuals hinzu. Howard kannte die Handlung für Aschenputtel-Mann kam ihm bekannt vor, aber als er bei seinen Recherchen auf den Popeye Out to Punch-Cartoon stieß, lachte er darüber, wie ähnlich er der Geschichte war, die sie erzählten. Es drängte ihn, die Geschichte so eindringlich wie möglich zu erzählen und die Geschichte in Braddocks Kampf zu verwurzeln, seine Familie aus der Armut zu befreien. Inzwischen hatte Howard das Gefühl, dass das Drehbuch für Kokon vielversprechend war, aber das Publikum nicht auf menschlicher Ebene ansprach. Seine Frau Cheryl hat einen Abschluss in Psychologie und arbeitete oft mit geriatrischen Patienten, wobei sie beobachtete, dass wir als Menschen nie wirklich aus unserer High-School-Psychologie herauswachsen. Howard wandte diese Jugendpsychologie auf die Senioren im Film an, als sie begannen, in die Jugend zurückzukehren, wodurch die Charaktere besser zuordenbar wurden. Mit Apollo 13 , Howard begann mit einem journalistischen Ansatz und recherchierte intensiv die wahre Geschichte. Er war vor allem von den filmischen Möglichkeiten begeistert, das Publikum mit den Charakteren mitzunehmen. Als er tiefer in das Projekt einstieg, überraschten ihn die emotionalen Themen, die er entdeckte und trugen zu seiner Verbundenheit mit dem Film bei.
5. Nehmen Sie die Zusammenarbeit an, die erforderlich ist, um einen Film in der heutigen Umgebung zu drehen . Der legendäre japanische Filmemacher Akira Kurosawa teilte mit Howard die Idee, in einer Dreiergruppe zu arbeiten. Stellen Sie sich ein Dreieck vor, das aus drei Mitarbeitern besteht – dem Autor, dem Regisseur und dem Produzent zum Beispiel. Sie legen ein kreatives Problem in die Mitte und lassen es herumspringen, bis Sie eine Lösung haben. Diese Struktur ist auch bei der Abstimmung von Ideen nützlich. Beim Filmen Ein schöner Geist , Howard, Russell Crowe und der Schriftsteller Akiva Goldsman arbeiteten zu dritt, um einen Weg zu finden, dem Publikum die Schizophrenie von Russell Crowes Charakter John Nash gerecht zu werden. Akivas Expertenwissen über die Krankheit und Russells Idee, die Wirkung seiner Performance schrittweise zu steigern, brachten Howard auf eine Idee, mit der er als Regisseur arbeiten konnte.
6. Richten Sie Ihren Kameramann so ein, dass er erfolgreich ist, und er wird sich mehr als revanchieren . Es ist von entscheidender Bedeutung, dass Sie sich Ihrer kreativen Kompatibilität mit Ihrem Kameramann sicher sind. Sprechen Sie über andere Filme, die sie gemacht haben, und was Sie für Ihr Projekt visualisieren. Sie möchten, dass der Kameramann den Film genauso fühlt wie Sie. Geben Sie ihnen etwas Greifbares, auf das sie reagieren können, wie zum Beispiel ein Drehbuch, und lassen Sie sie darüber sprechen, wie sie den Film auf natürliche Weise visualisieren. Wenn Sie beginnen, mit dem richtigen Kameramann zu arbeiten, lassen Sie sich nicht von der Fotografie einschüchtern. Sprechen Sie mit ihnen darüber, was das Publikum fühlen soll, und vertrauen Sie ihnen, dass sie die Sprache des Kinos in Ihrem Projekt vorantreiben. Howard lernte zum ersten Mal, wie man Licht als Charakter in seinen Filmen am Set von . einsetzt Ein schöner Geist von seinem Kameramann , Roger Deakins. Deakins spiegelte mit seinen Lichttechniken die Psychologie der Charaktere in jeder Sequenz wider. Im Spritzen , Kameramann Don Peterman drängte Howard, das romantische Comedy-Genre nicht kurz zu verkaufen und es dennoch visuell zu machen, indem er mit Teleobjektiven, langen Objektiven, Superweitwinkelaufnahmen, Handheld und niedrigen Winkeln spielte. Abwechslung belebt das Publikum. Salvatore Totino lehrte Howard, verschiedene Linsengrößen und verschiedene Generationen zu verwenden, um zu demonstrieren, wie verschiedene Texturen einem Publikum unterschiedliche Gefühle vermitteln können.
7. Wenn es Zeit zum Bearbeiten ist, sei brutal ehrlich . Howard drängt auf brutale Ehrlichkeit im Schnittprozess. Es ist, wenn Sie die Geschichte verlassen müssen, von der Sie gehofft haben, dass Sie sie gedreht haben, und sich stattdessen das Rohmaterial ansehen, das Sie tatsächlich haben. Seien Sie offen für die Möglichkeiten, die das Filmmaterial bietet. Es ist notwendig, Ihrem Redakteur Ihre grundlegenden Erwartungen an Ihre Arbeitsbeziehung mitzuteilen. Wollen Sie dem Cutter Ihr Gespür für den Aufbau von Szenen vermitteln oder wollen Sie es dem Instinkt des Cutters öffnen? Ein guter Redakteur ist kompetent, professionell, fleißig, kann die Richtung übernehmen und hat einen guten, soliden Geschmack. Ein großartiger Cutter ist all das plus ein Upgrade auf hervorragenden Geschmack und ein kreatives Auge – verfügbar, um neue Ideen zu entdecken und dem Regisseur zu präsentieren. Howard betont, wie wichtig es ist, Ihre Bearbeitung einem Publikum für Feedback zu zeigen. Sie werden vielleicht überrascht sein, wie Momente der Verwirrung für das Publikum Sie zu einer neuen, kreativeren Version einer Szene führen können. Es ist auch hilfreich, Filme, die Sie lieben, ohne Ton anzusehen, um inspirierende Schnitte zu finden. Bereiten Sie sich darauf vor, dass der erste Schnitt brutal lang, schwer zu sehen und möglicherweise sogar herzzerreißend ist. Machen Sie dann die beunruhigende, aber wesentliche Arbeit, Probleme zu öffnen, um Lösungen zu finden – vielleicht finden Sie sogar ein wenig Begeisterung in den Ergebnissen.

Möchten Sie ein besserer Filmemacher werden?

Egal, ob Sie ein angehender Filmemacher sind oder davon träumen, die Welt mit Ihrem Stand-up zu verändern, die Navigation durch die Welt von Film und Fernsehen kann entmutigend sein. Niemand weiß das besser als Ron Howard, der seinen ersten Film in 15 Tagen mit 300.000 Dollar drehte. In Ron Howards MasterClass zum Thema Filmregie hat der Oscar-prämierte Regisseur von Apollo 13 und Ein schöner Geist entschlüsselt sein Handwerk und gibt Einblicke in Workshops am Set, die Arbeit mit Schauspielern, das Blockieren von Szenen und die Umsetzung seiner Vision auf die Leinwand.

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