Haupt Kunst Und Unterhaltung Helen Mirrens Top-Tipps für die Schauspielerei

Helen Mirrens Top-Tipps für die Schauspielerei

Die Schauspielerei für den Film erfordert andere Techniken als die Schauspielerei auf der Bühne. Die preisgekrönte Schauspielerin Helen Mirren gibt ihre Tipps zur Schauspielerei vor der Kamera.

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In 28 Lektionen lehrt die Oscar-, Golden-Globe-, Tony- und Emmy-Gewinnerin ihren Prozess der Schauspielerei auf Bühne und Leinwand.



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Helen Mirren ist eine der größten Schauspielerinnen unserer Zeit – ganz zu schweigen von einer Oscar-Preisträgerin, Emmy-Preisträgerin, Tony-Preisträgerin und Golden-Globe-Gewinnerin. Obwohl die englische Schauspielerin keinen klassischen Schauspielunterricht an einer Schauspielschule belegte, absolvierte sie eine intensive Ausbildung bei der renommierten Royal Shakespeare Company in London und reiste ein Jahr lang in Peter Brooks experimenteller Theatergruppe um die Welt. Sie ist für ihre Arbeit sowohl auf der Bühne als auch im Film bekannt.

Was ist der Unterschied zwischen Bühnen- und Filmschauspiel?

Imaginativ sind die Schauspielerei auf der Bühne und auf der Leinwand gleich; Aber es gibt zwei große Unterschiede, die sich darauf auswirken, welche Schauspieltechniken Sie verwenden, wenn Sie vor der Kamera handeln. Eine davon ist die Nahaufnahme – Sie können Ihr Gesicht als nuancierteres Instrument verwenden, wenn Sie vor der Kamera arbeiten. Auf der Bühne sitzt das Publikum auf Distanz und kann die nuancierten Veränderungen Ihrer Mimik nicht so lesen wie auf der Leinwand. Im Film haben Sie mehr Kontrolle über die Feinheiten des Ausdrucks oder die Verschiebungen in den Stimmtönen. Die andere ist die Kontrolle über Ihre Leistung. Wenn Sie in einem Stück sind, haben Sie die volle Kontrolle über Ihre Darbietung – wie Sie sich bewegen, wann Sie sich bewegen, wann Sie Aufmerksamkeit erregen oder wenn Sie Stille wählen. Beim Filmemachen überlässt du einen Teil deiner Kontrolle einem Regisseur und Cutter, der deine Performance durch eine Reihe von Einstellungen aufbaut.

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      Die Notwendigkeit des Erlernens von Filmschauspieltechniken

      Die vielseitigsten professionellen Schauspieler werden sich nach besten Kräften dem Erlernen von filmischen Schauspieltechniken widmen. Der Prozess des Erlernens von Techniken kann harte Arbeit sein, aber er ist notwendig, um loszulassen und kreative Freiheit zu finden. Während Helens Prozess des Erlernens der Filmtechnik Inspiration fand sie in dem Buch Interviews with Francis Bacon, in dem Bacon diskutiert, wie die Beherrschung der Technik Ihnen die Möglichkeit bietet, Momente purer, außer Kontrolle geratener Inspiration zu erleben.

      Die besten Schauspieltipps von Helen Mirrenren

      Hier teilt Helen ihre vier besten Filmschauspieler-Tipps für Filmschauspieler und erinnert Sie daran, dass Ihre brillanteste Einstellung nur verwendet werden kann, wenn Sie ins Schwarze treffen.

      1. Verstehen Sie die verschiedenen Kameraaufnahmen

      Um vor der Kamera erfolgreich zu sein, musst du die Art und Weise verstehen, wie du fotografiert wirst. Gewinnen Sie mit einigen der gängigeren Kameraaufnahmen ein tieferes Verständnis dafür, wie Frames und Winkel Ihre Leistung beeinflussen:

      • Nahaufnahme: eine enge Aufnahme, die einen bestimmten Aspekt eines Charakters oder einer Szene vergrößert, normalerweise Mimik oder Handgesten; Subtilität ist der Schlüssel zur Nahaufnahme. Am häufigsten verwendet, um ein Gefühl der emotionalen Nähe zu vermitteln, kann aber auch verwendet werden, um Subtexte aufzudecken oder Verwirrung zu stiften, indem der Zugang des Publikums zur breiteren Szene eingeschränkt wird.
      • Mittlere Aufnahme: Eine bequeme Aufnahme, die den Rahmen gleichermaßen mit Hintergrund und Motiv ausfüllt. Wird normalerweise verwendet, um kleine Gruppen von Personen darzustellen, die in Dialoge vertieft sind, oder eine Aufnahme einer einzelnen Person in Aktion mit der Hüfte.
      • Weitwinkelaufnahme: Eine lange Aufnahme, die weit nach hinten gezogen wird, um eine ganze Szene zu zeigen, normalerweise mit einem Weitwinkelobjektiv. Denken Sie an Szenen, in denen ganze Armeen marschieren oder Menschenmengen die Straßen füllen, oder ein Auto eine malerische Straße entlangfährt oder ein Schauspieler durch einen Wald rennt.

      Um Ihre schauspielerischen Fähigkeiten vor der Kamera zu üben, laden Sie einen Partner ein, der Ihnen hilft, Ihren Monolog mit diesen drei verschiedenen Einstellungen zu filmen: eine Weitwinkelaufnahme, eine Halbaufnahme und eine Nahaufnahme. Führen Sie Ihren Monolog in jedem Schuss so gut wie möglich durch. Beachten Sie, wie Sie mit einer Weitwinkelaufnahme Ihre Körperlichkeit und den Raum, in dem Sie sich befinden, nutzen können, während die mittlere Aufnahme und die Nahaufnahme das Bewusstsein für das, was in Ihren Augen und in Ihrem Gesicht passiert, verändern. Beachten Sie auch, wie einige Ihrer Körperhaltungen und Manierismen in der Nahaufnahme verschwinden. Studiere jeden. Wie unterscheiden sie sich? Was würdest du ändern?

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      2. Verfolgen Sie die Geschichte

      Filme werden oft außerhalb der Sequenz gedreht, daher ist es wichtig, sich proaktiv bewusst zu machen, wie Ihre Szenen oder Aufnahmen in den Gesamtfilm passen. Machen Sie sich mit dem Skript-Supervisor vertraut, der für die Verfolgung der Kontinuität verantwortlich ist, und er kann Sie darüber auf dem Laufenden halten, wo Sie sich in der Geschichte befinden. Es ist hilfreich, sich zu Beginn des Tages eine Vorstellung von der Schussreihenfolge zu machen, und scheue dich nicht zu fragen, was der nächste Schuss ist, wenn du dich verirrst.

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      3. Balance-Technik mit Emotionen

      Denken Sie wie ein Profi

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      Der Film erfordert, dass Ihr Geist gleichzeitig auf mehreren Spuren läuft: der emotionalen Spur und der technischen Spur. Der Inbegriff der Filmtechnik besteht darin, ein scharfes Gefühl dafür, wo Sie sich emotional befinden, mit einem scharfen Gefühl dafür, wo sich die Kamera in Bezug auf Sie befindet, in Einklang zu bringen. Während Ihrer Schauspielkarriere wird es Fälle geben, in denen Szenen gleichzeitig intensiven emotionalen Ausdruck und technische Fähigkeiten erfordern; Hier hilft Ihnen das zweispurige Denken, den emotionalen Moment der Szene in Echtzeit abzuspielen und gleichzeitig genau zu wissen, wo sich die Kamera befindet.

      4. Entwickle ein Ritual

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      In 28 Lektionen lehrt die Oscar-, Golden-Globe-, Tony- und Emmy-Gewinnerin ihren Prozess der Schauspielerei auf Bühne und Leinwand.

      Filmsets und Theater können überwältigende und ablenkende Orte sein. Um Ihre beste Leistung zu erbringen, finden Sie einen Weg, die Ablenkungen auszuschalten und in Ihrem eigenen persönlichen Prozess auf dem Boden zu bleiben.

      Das passiert kurz vor einer Aufnahme: Du bist in deiner Welt; du bist in deinem Charakter; Sie sind in Ihrer Umgebung, sagt Helen. Wo auch immer das ist! es kann das antike Rom sein, wissen Sie – es könnte überall sein. Aber an diesem Punkt müssen Sie all dieses Zeug aus Ihrer Welt herausschneiden. Sie müssen Ihre Konzentration aufrechterhalten, Ihren Charakter neu finden; Finde deine Umgebung neu. Und jetzt sind Sie vielleicht bereit zu arbeiten.

      Wenn du dich verloren oder ängstlich fühlst, versuche ein Ritual zu entwickeln, um in deinen Charakter oder den Moment in der Geschichte einzutauchen – vielleicht ist es eine Meditation oder ein einzelnes Wort, das du dir selbst wiederholst, oder vielleicht ist es einfach, dich vorher an deine Absicht zu erinnern die Szene beginnt. Sie können sich auch bei Babys und Hunden inspirieren lassen, wie es Helen tut. Sie sind so einfach und so präsent, wenn sie vor der Kamera stehen, dass sie immer faszinierend sind. Suchen Sie nach diesem Zustand in sich selbst.

      Wenn der Regisseur zum Handeln aufruft, muss man nicht sofort mit der Schauspielerei beginnen, sagt Helen. Wenn Sie etwas mehr Zeit brauchen, um sich von all dieser erstaunlichen Ablenkung zu befreien, mit der Sie sich bei der Vorbereitung auf das Set und dann zum Set befassen mussten. Ein Set ist eine unglaublich ablenkende Umgebung, und es geht darum, die Konzentration aufrechtzuerhalten.

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          5. Verfeinern Sie Ihren persönlichen kreativen Prozess

          Es ist wichtig, sich daran zu erinnern, dass Sie einzigartig sind – alle Schauspieler sind es, also seien Sie ehrlich mit dem, was Sie brauchen, damit Sie Ihre beste Arbeit leisten können. Möglicherweise haben Sie eine ganz andere Möglichkeit als Ihr Co-Star, sich auf eine Aufnahme vorzubereiten. Bleiben Sie Ihrem Prozess treu und lassen Sie sich nicht von anderen Schauspielern davon abbringen. Wenn Sie am Set mit einer Herausforderung zu kämpfen haben, wie etwa einem Co-Star, mit dem Sie keine Verbindung haben, versuchen Sie, Ihre Gefühle in Ihre Leistung zu lenken – nutzen Sie sie, bekämpfen Sie sie nicht.

          Am Ende gibt es keine Regeln. Sie werden weiterhin lernen, während Sie gehen, und so viel von dem, was Sie am Set tun, wird mit Erfahrung einhergehen. Geben Sie sich dieser Tatsache hin und finden Sie weiterhin die Freude an Ihrer Arbeit – egal ob Sie eine Rolle in einem Kurzfilm oder in einem Hollywood-Blockbuster anstreben.